Il y a d’abord le cas des pochettes du disque. Faute de gout? Coup de poker? Preuve d’amour pour son toutou? Pari de fin de soirée entre amis ? On ne sait pas trop quoi en penser, à part que le chien doit vraiment se demander ce que lui veut cette femme qui l’étrangle avec ce regard félin certes mais rempli d’un peu trop de vide pour nous capter. La typographie des titres du single a été posée là, là où il y avait de la place. Bref, dans les rayons, la pochette du single n’attrape le regard, et quand on pense que 30% de l’achat d’un disque se base sur la pochette…

Venons en maintenant aux faits : depuis plusieurs années, Namie nous offre des singles au rythme irrégulier et à la qualité musicale capricieuse. Un single par ci, une petite surprise par là. Mais les deux derniers singles NAKED / Fight Together / Tempest et donc celui-là, ne nous laissent pas espérer de grandes choses pour l’album qui serait en préparation pour le début de l’année 2012.

Il y a d’abord Love Story. Toussotements… Une balade d’automne tout ce qu’il y a de plus commun, avec tous les clichés qu’on peut imaginer dans ce type de chanson, surtout avec ce genre de titre. Love Story c’est du vu, du revu et on le reverra surement dès l’année prochaine.

Alors il y a bien le piano, le vrai pas le synthé, du début de la chanson mais qui est vite rembourré par des violons, avec des arrangements insupportables. Les petits scintillements, les petits claquements de doigts. On a vraiment l’impression d’être tombé dans une vieille chanson complètement RnB des années 1990. Le pire c’est qu’il y a tout pour : les chœurs en boites de chaussures avec leurs  » Now, I’m grown », la voix de Namie un peu trop grave et pas franchement prenante.

Et je ne reviendrais que rapidement sur la première piste Sit! Stay! Wait! Down!. Un mélodrame d’arrangements électroniques délirants. Une chanson brouillonne, qui manque complètement d’harmonie dans sa construction. Pourtant, les premières minutes étaient « plutôt » encourageantes.

Higher est dans la même veine, avec tout de même un peu plus de tissu et une composition un peu plus travaillée. Un peu de dance mais les délires des arrangeurs avec les « Aya aya » dans les refrains terminent d’enterrer le single. Mais il s’agit d’une face B, qu’on écoute, c’est déjà ça.

En définitif, Namie Amuro aurait vraiment dû y réfléchir à deux fois avant de sortir ce single. Les trois chansons sont d’une navrante qualité et d’une tout aussi navrante simplicité. Et Namie prend toujours autant peu de soin dans la promotion de ses singles, avec aucune apparition dans des émissions du type Music Station. Et j’ai envie de dire heureusement.

Car elle aurait eu du mal à s’expliquer sur son clébard, déjà, et puis sur sa chanson Love Story, une balade mièvre comme on en trouvait par centaines il y a 15 ans. Sauf que nous sommes en … 2011. Espérons que l’année 2012 sera meilleure, surtout qu’un album serait en préparation.

Mercredi passé est sorti dans les bacs japonais le nouveau single du groupe pop/rock Ikimono Gakari, connu, entre autres, pour avoir signé l’un des openings de la série Naruto.

La jeune Kiyoe accompagnée de ses deux acolytes Yoshiki et Hotaka signe cette fois-ci un single tout en contraste. En effet, Aruite Ikou que l’on pourrait traduire par « marche ! », est une chanson plutôt calme et posée. La voix de Kiyoe est toujours aussi belle et puissante. On peut pourtant être agacé par les longues notes, puisque Kiyoe n’applique aucun vibrato, allongeant ainsi celles-ci à outrance.

Dans l’ensemble Aruite Ikou est une excellente ballade qui ne manquera pas de vous faire frissonner la première fois – si vous voulez un conseil, regardez le clip de la chanson, certes, il la gâche par certains dialogues mal disposés, mais il rend la chanson encore plus prenante.

La face-B, My Rain (ma pluie), est une chanson dynamique parfaite pour un générique d’anime ou de Drama d’été, puisque ce titre possède un ton assez nostalgique de fin de journée d’été. Une écoute est nécessaire pour voir de quoi je parle !  On a plaisir à l’écouter et je suis sûr que certain la préféreront à Aruite Ikou.

Aruite Ikou est donc un excellent single qui ravira les fans du groupe tout comme les novices.

Infos sur ce single

Yusuke Kamiji, ancien acteur reconverti avec succès dans la chanson revient donc avec un neuvième single aux tendances surprenantes pop, rock, rap et RnB. Ce neuvième single intitulé tout simplement Isshō Kenmei (Ris fort)/Inazuma Zamurai (le samouraï éclair) du nom des deux pistes principales, fait suite à Otakebi un single conçu pour le dernier film de la série pour jeunes, Naruto. On retrouve dans ce single le style habituel de Yusuke, à savoir ce fin mélange entre rap/RnB et pop, le tout accompagné de deux chansons bien plus calmes et aux consonances pop marquées.

La première piste, Isshō Kenmei est un peu faible musicalement pour une piste principale. Le rythme est, cependant, très entraînant et on n’hésite pas à « headbanger » dès la première écoute. Les influences sont diverses et variées, on trouve des instruments à résonance caribéenne alliés à un style très japonais. Pourtant le refrain, important dans une chanson, est peu marquant. On oublie assez vite la mélodie et on passe aux autres chansons sans hésiter.

Inazuma Zamurai fait nettement mieux. On est tout d’abord surpris par le rap qui compose les couplets, j’ai presque arrêté l’écoute à ce moment, cependant le refrain m’a stoppé avant que je ne commette cette faute. En effet, il est d’une force assez incroyable ! La voix de Yusuke, certes sûrement modifiée par un logiciel, n’en reste pas moins puissante. Contrairement à la première piste, Inazuma Zamurai reste longtemps dans la tête et on ne peut s’empêcher de la fredonner. De plus, on ne cesse de l’apprécier de plus en plus au fil des écoutes.

Les deux dernières pistes, Snow Road et Tabiji (voyage) sont bien plus calmes et posées, contrastant ainsi avec les deux premières. Snow Road n’est pas exceptionnelle et ne m’a pas plus marquée que ça, le refrain est assez brouillon et on a peine à s’y attacher. Tabiji semble très bien commencer puisque Yusuke y chante presque a capella et accompagné au piano. Mais alors qu’on croit à un refrain magnifique on s’aperçoit que la chanson ne dure que 01 :20 et qu’il n’y en aura malheureusement pas.

En conclusion, Isshō Kenmei/Inazuma Zamurai reste un bon single dans l’ensemble, bien mieux qu’Otakebi qui puait le commercial. Je regrette simplement la faiblesse du premier titre et la longueur de Tabiji qui promettait tant. Bon, sur ce je vous laisse, je vais réécouter Inazuma Zamurai !

Infos sur ce single

]]> http://www.ongaku-dojo.fr/2011/11/yusuke-le-samourai-eclair/feed/ 0 http://www.ongaku-dojo.fr/2011/11/akb48-un-vent-nouveau-souffle/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=akb48-un-vent-nouveau-souffle http://www.ongaku-dojo.fr/2011/11/akb48-un-vent-nouveau-souffle/#comments Sat, 05 Nov 2011 16:00:22 +0000 Denzuki http://www.ongaku-dojo.fr/?p=6267 C’est cette semaine qu’est sorti le dernier single du groupe d’idoles surpeuplé AKB48. Depuis quelques années ce groupe formé de plus de 48 chanteuses ne cesse d’aligner record sur record. Leur dernier single Flying Get (ou Fraying Getto en japonais) s’est vendu à plus d’un million d’exemplaires et ce en un jour, pulvérisant l’ancien record.

Nos jeunes demoiselles d’Akihabara reviennent avec Kaze wa Fuiteiru (Le vent souffle), un single plus mature et profond. En effet, ce single fait partie du projet Dareka no Tame ni, littéralement « Pour le bien de qui ?», projet visant à récolter des fonds pour les sinistrés du séisme de mars dernier.

Le titre principal se veut donc sobre et puissant tout comme le clip qui a été dépouillé de tout superflu pour ne laisser que le principal. On est donc frappé dès les premières notes par un style plus posé et grave peu commun aux AKB qui nous ont plutôt habitués à des chansons pétillantes et rythmées. Ce n’est pas pour nous déplaire puisque cette chanson est une réussite totale. Les arrangements des voix par duo fonctionnent bien, avec une petite préférence pour le duo Minami Takahashi et Mayu Watanabe.

Viennent ensuite les faces B dans deux styles totalement différents. Vamos est une chanson entrainante et rythmée alors que Gondola Lift, elle, est une magnifique ballade interprétée par les plus belles voix du groupe dont, entre autre, Sayaka Akimoto et Masuda Yuka. Quant à Kimi no Senaka, elle est pour moi sans intérêt. Ce, tant au niveau musical que du clip qui sont tout deux déjà vus et confus.

Cela fait un bon moment que les AKB ne nous avaient pas servi un aussi bon single qui a déjà dépassé les 1’045’937 exemplaires vendus en un jour, ce pour le plus grand bonheur des fans et des sinistrés du Tohoku.

Infos sur ce single

Et donc le 5 Octobre je trépignais d’impatience pour enfin voir et entendre ce qu’allait donner ce cinquième album. Un rock muri? Une petite baisse de régime après deux sorties singles monstrueux? Bref, verdict à la fin de cette chronique.

Des singles magistraux

Parlons vite, parlons bien. ONE OK ROCK a sorti deux singles avant Zankyo Reference : Answer is near et le double face A Re:Make / No Scared. Et cette critique est l’occasion pour moi de revenir brièvement sur ces singles.

Les trois chansons sont dans le même gabarit : un rock puissant, un rythme fou avec la basse du fanfaron Ryota, cette batterie folle de Tomoya, cette voix enrayée et éraflée de Taka. Mais de ces trois chansons, s’il y en a une qu’il faut écouter, ré-écouter, c’est No Scared.

Dès sa sortie en single, elle m’avait convaincu. C’est pas pour rien que mon compteur iTunes m’indique 103 écoutes. Il faut dire que son rythme survitaminé, m’avait rendu complètement cinglé, et j’avais été chopé dans le bus en train de danser.

J’ai vraiment rien à dire sur ces chansons : la construction des chansons, les montées en intensité, les pauses, les instrumentales bien modelées. Ces singles m’avaient convaincu à leurs sorties et mon avis ne change pas avec Zankyo Reference.

Un trio d’inédits

De cet album, il y a un trio de chansons inédites qui sort du lot. La première C.h.a.o.s.m.y.t.h., la balade de l’album, comme Wherever you are l’était pour Niche Syndrome et l’imbectable My Sweet Baby pour leur troisième album. Alternant japonais et anglais, la chanson est une balade rock lourde, avec un Taka sombre. Le refrain de la chanson vaut son pesant d’or : on est entrainé et brassé par ces accords de guitare.

Alors si toutes les chansons de l’album sont plus ou moins taillées pour le live, C.h.a.o.s.m.y.t.h. est un atout live de plus dans le répertoire du groupe, capable de rassembler autour d’un refrain, autour d’une chanson.

Et la deuxième dans l’ordre de préférence, c’est Mr. Gendai Speaker. Une introduction inquiétante, une basse lourde et pesante, on est rapidement pris par ce chant et cette instrumentale intense et profonde. Et comme Chaosmyth, Mr. Gendai Speaker bénéficie d’un refrain accrocheur et aguicheur, hurlé et gémi par un Taka vraiment au sommet de sa forme.

Et pour finir, il y a LOST AND FOUND. Elle reste dans la même veine que les deux précédentes, emmenée par un rock puissant et rythmé, une basse et une batterie diablement insensées. On ne regrettera peut-être que sa longueur.

Un rock mainstream

On s’avance donc vers un sans faute. Un quasi-sans faute. Car oui vous le savez il y a une chanson que j’ai par dessus tout détesté dans la carrière de ONE OK ROCK, j’ai nommé My Sweet Baby. Cette teen balade était sans relief, trop mièvre pour moi, un peu trop facile avec cette guitare acoustique, ces mélodies basiques.

Je pensais alors ce moment difficile passé, loin derrière moi et je pensais que le groupe s’était un peu alourdi avec des chansons un peu moins simplistes. Sauf que dans cet album il y a une nouvelle teen balade : Pierce. Alors oui ces chansons plaisent et sont efficaces et les jeunes filles plein de boutons hurleront pendant les concerts. Bref, je l’ai écouté deux fois. Ça m’a suffi.

Et j’en viens donc à un deuxième petit regret. C’est ce côté un peu trop mainstream de cet album. A l’exception de Seken Shirazu no Uchuhikoushi, dans laquelle le chant de Taka est un peu plus malicieux et la construction un peu plus « alternative », toutes les chansons sont dans la même trame : un rock puissant, la voix de Taka pour rassembler. En quelques mots, un rock mainstream, qui pourra plaire au plus grand nombre. Sauf que j’aime quand il y a un peu de fantaisie dans un album. Ce sera pour une prochaine fois.

Zankyo Reference est finalement un prolongement direct de leur dernier album, dans le meilleur des sens, car il en prend l’envergure et la puissance, et laisse de côté quelques erreurs de jeunesse, pour former un album complet et abouti. Dans une discographie, on appelle ça l’album de la maturité.

Il y a maintenant une question qui se pose : s’internationaliser? L’album est taillé dans la roche du rock mainstream capable de réunir, de rassembler une large audience de fans. Et pas seulement des fans japonais et asiatiques mais américains et européens.

La forme : OK

L’argument du contexte et de la morosité de l’industrie musicale au Japon passé, la sauce ne prend définitivement pas. Pourtant, Ayumi avait mis le paquet côté promo. La chanson progress, on en entend parler depuis le début de l’année, la star maintenant un semblant de suspense sur la sortie jusqu’au mois de Juin. Les spots publicitaires, sa présence de plus en plus importantes sur les réseaux sociaux, le buzz de sa collaboration avec Leslie Kee.

Et cette collab avec le photographe singapourien était un des atouts de ce mini-album. Des photoshoots magnifiques, Ayumi est tout simplement superbe, avec un regard vif et plus captivant que le regard de koala de ces précédents albums.

Le mariage rend beau et je ne m’avancerais pas en disant qu’il s’agit certainement des meilleures pochettes de la discographie d’Ayumi. C’est déjà ça.

Le fond : zero pointé

Car dans le fond, il n’y a pas de quoi sabrer le champagne à l’écoute de ce mini-album. Pourtant, les deux premières minutes de Progress m’avaient vraiment surpris : une intro émouvante, avec un piano-violon-voix plutôt convaincant, Ayumi ne tombant pas dans l’émotion calamiteuse, restant sobre et éclairée. On laisse de côté les torrents de violons qui apportent un peu trop de dramatique dans une chanson qui n’en demandait pas.

La plus belle photo

Mais seulement, au bout de deux minutes, les vieilles habitudes reviennent et Ayumi lâche les chevaux, les riffs de guitares ultra saturés, l’orchestre de violon synthétique se déchaine. La chanson perd en qualité, avec des solos désastreux, agrémentés de touches d’électro infâmes. Elle gardera tout de même une intro de grande classe. Dommage.

Ensuite, dans ces deux duos, il n’y a bien que celui avec Urata Naoya qui reste musicalement entendable. Et encore. Avec ce beat lent et très R’n'b, le morceau m’aurait presque convaincu lors de la première écoute. Mais finalement, la chanson a du mal à monter en rythme. Ce rythme est lent, du début à la fin. L’ennui est trop fort avec cette répétition des paroles et les voix un peu trop tenues. Le peu de recherche dans la construction de la chanson finit par me faire penser que la chanson a été écrite en 5 minutes, avec un coca à la main devant Vidéo Gag.

La chanson cachée? On aurait presque préféré qu’elle le reste. La chanson sonne creux, la voix d’Ayumi est inaudible, avec cette aiguë forcée. Les arrangements à la Daft Punk sont bidons et simplissimes. Je ne m’attarderais pas sur beloved, un morceau déjà entendu, et fait dans les mêmes casseroles que la quasi totalité des chansons d’Ayumi depuis 6 ans.

Je ne reviendrais pas non plus sur son duo avec JUNO, coréen d’origine et frère de la tête à claque JUNSU des JYJ. Non pas que ce petit jeune n’a pas de talent et je n’ai rien contre lui. Mais sa voix est juste incroyablement plate et manque complètement de ténacité. On s’endormirait à l’écouter. On ne l’entend pas dans les moments où les deux chantent. Bref, un duo pour rien.

Le fond : 0,5 pardon

Globalement, les quatre chansons que je viens d’énumérer manquent toutes d’une chose, parmi d’autres : une construction originale sortant un peu des carcans d’Avex et des travaux d’Ayumi.

Brillante. Vraiment?

Et des cinq chansons de FIVE il ne reste qu’une chanson qui retienne mon attention : il s’agit de Brillante. Ok. Le clip est ultra kitsch, avec des mecs torses nus, huilés jusqu’aux os, avec des tatouages triviaux, une Ayumi en Reine ou impératrice de je ne sais quel pays.

Le clip a été tout de même réalisé par Leslie Kee, que l’on préfère définitivement derrière un objectif que derrière une caméra. On a l’impression que le clip a été tourné dans les parkings des bureaux d’Avex , avec les costumes qu’on avait sous la main, avec un tabouret pour Ayumi, en deux trois prises.

Mais heureusement mauvais clip bonne chanson puisque Brillante reste la meilleure chanson de l’album. Pas trop compliqué jusque là. Mais la chanson a pour elle une construction originale, avec des chœurs plus ou moins réussis, une absence incroyable et inespérée d’arrangements foireux,  une voix posée et calme.

La qualité de la chanson s’appuie aussi sur une montée en intensité efficace. En plus, Ayumi ne fait pas l’erreur de se perdre pas dans des envolées lyriques, ne bavant pas d’émotion et ne transpirant pas de pathos, ou juste ce qu’il faut. Une chanson sur laquelle elle devrait s’inspirer pour la suite.

Black Swan

Une chanson. Il ne faudra retenir de cet album, de cette ignominie, une seule et unique chanson : Brillante.  Ayumi s’est mariée, nous a offert un peu de plénitude avec Love Songs en 2010, avant de s’enterrer avec des duos transparents, des balades rocks brumeuses. Bref, Ayumi nous déçoit. Rien de plus. Rien de moins.

On attend donc d’Ayumi un peu de plus prise de risque comme Brillante, un peu moins de banalité, un peu plus de folie, un peu moins de convenance. Mais ça à chaque album je le dis.

Infos sur l’album

plenty s’impose comme la relève de la scène rock japonaise

Dans la même veine que Boku No Tame Ni Utau Uta, Machiawase no Tochu en conserve le rythme long, avec cette batterie répétitive, cette guitare aérienne et cette voix mélancolique, grave et profonde. Car si plenty a une particularité, c’est bien ce chant, mélodique et désabusé, ces paroles respirées, blasées.

Et cette impression est d’autant plus vraie que dans les clips du groupe, on a ce sentiment de dénis, de dédain du chanteur. Alors bien sûr, on connait plenty surtout pour ça, ce côté  désenchanté, notamment en live. Ce désenchantement assumé apporte à leur musique ce spleen et cette léthargie (dans le bon sens du terme). On lévite et on se laisser bercer.

Mais avec la deuxième chanson du disque Owari no Nai Dokoka e, la musique nous surprend au départ en prenant un ton très rock et très enjoué. Mais c’est pour mieux « s’endormir », s’adoucir ensuite, et nous hypnotiser avec ce rythme lancinant, avec cette fine harmonie de la batterie et de la guitare piquante et répétitive.

Les premiers accords de l’ultime piste de l’album, Sora ga Waratteru, littéralement « Le ciel riant », sont séduisants et la voix naïve et enfantine de la chanson finit de nous convaincre. Sora ga Waratteru a aussi l’atout d’avoir un refrain entrainant et efficace.

Beaucoup plus optimiste et insouciante que les précédentes chansons, elle reste dans la lignée des précédents morceaux du groupe et cela ne m’étonnerait pas si, en fait, il s’agissait d’un morceau écrit pour leur album Risouteki na Boku no Sekai, l’instrumental restant très proche des sonorités de cet album. Et ce n’est en tout cas pas pour me déplaire.

Finalement, ce single est dans la droite continuité des précédents titres du groupe, prolongeant ainsi la douce et si agréable écoute de leur musique. Car les trois chansons du disque sont toutes un délice de finesse, de rock et de douceur. Mêlé  à l’insouciance de leur jeunesse, plenty s’impose comme la relève de la scène rock japonaise.

Infos sur le single

Et pour finir, je vous propose le clip de la chanson, Machiawase no Tochu, qui reste l’un des clips de l’année.

Maeda Atsuko a sorti son premier single solo, Flower, le 22 Juin et j’avais déjà été surpris par la finesse du clip de la chanson titre. On y voit la jeune Acchan, qui, sans jupette,  sans sa tenue d’écolière, mais dans une robe sobre, être virée de son logement, avec sa petite sœur, faire du stop, arriver chez son père et être au chevet de sa mère malade. Le clip est en lui même un mini-film et il est surtout très esthétique et remarquablement bien filmé pour un simple clip promo, avec un effet vieillissant sur les images, plutôt réussi, et qui donne à la chanson du caractère.

Car, le single Flower a du caractère et n’est pas aussi stéréotypée que les productions des AKB48. Alors certes, la chanson Flower démarre plutôt mal avec cette intro, où on s’attend à ce que d’autres voix la rejoignent. Après tout, c’est Akimoto qui a produit, réalisé et écrit la chanson. Mais non, la suite est beaucoup plus convaincante, avec cette voix, naïve, mélancolique et optimiste. La chanson est une balade mid-tempo, douce et très bien finie, avec ce rythme lent et sa trame bien modelée, avec des instruments légers. Une chanson très rafraichissante.

Les deux faces B du single sont tout aussi réussies que la chanson titre. La première Kono Mune no Melody est un morceau pop-rock, avec des riffs de guitare puissants. Une chanson beaucoup plus rythmée dans laquelle Maeda Atsuko est à l’aise, sa voix se plaçant plutôt bien dans ces changements de rythme. Sa voix est justement beaucoup moins classique, et à certains passages, on a du mal à reconnaitre la voix de la leader des AKB. Et ce n’est pas pour me déplaire.

Et comme Flower, l’autre Face B, Hoozue to Caffè Macchiatto, est une ballade mid-tempo, avec une voix simple et classique de Maeda, soufflée et respirée. Rien de transcendant par rapport aux autres mais la chanson a un refrain assez pénétrant, dû surement à ce sentiment de nostalgie de la chanson, et cette piste est également beaucoup plus mélodique, avec une rythmique beaucoup moins marquée que Flower. S’il y a une chanson à écouter et réécouter dans ce single, ce sera celle-ci.

Infos sur ce single

Et depuis quelques années, on connait les velléités occidentales du groupe, en signant chez Wasabi Records et en participant à quelques conventions sur la culture japonaise aux États-Unis, à l’Anime Matsuri notamment. D’où sans aucun doute le titre de l’album, Hello World. Alors BACK-ON, bonjour le monde? Verdict.

Un album bien signé BACK-ON

Commençons par le commencement et par la chanson Beginning, qui symbolise vraiment l’ensemble de l’album, avec ce « Hello world » qui donne le départ et laisse place à des riffs de guitares, et à une ligne de rap violente et percutante. La chanson est énergique et s’avère être un très bon démarrage pour l’album. Surtout, elle marque bien la signature de BACK-ON.

Déjà, par le refrain de la chanson. Un refrain sur-vitaminé, violent et mordant. Les refrains des chansons Beginning, Hero, flyaway, très proches de la chanson Chain, de l’album précédent, sont des courses effrénées. Dans Rockstar Anthem, le refrain sonne effectivement comme un hymne, scandé et chanté avec puissance. Et toutes les chansons ont un refrain pénétrant, qui trotte dans la tête pendant quelques temps.

Deuxième signature du groupe, c’est les lignes de rap dans chaque morceau. Mélanger des parties rap avec des parties beaucoup plus rock, voir métal, des groupes s’y sont essayés et s’y sont cassés les dents. BACK-ON a fait quelques morceaux assez décousus par le passé, notamment dans l’album Adachi Tribe, n’arrivant pas à trouver le mélange subtil entre ces différents styles de musique complètement différents.

Mais depuis Baby Rock, le groupe réussit à faire des morceaux percutants, en mêlant rap et rock, le tout de manière mélodique. Dans 24/7, la partie rap est légère et relativement calme, alors que dans Beginning il est violent et oppressant et enfin beaucoup plus simple dans Hero.

L’autre atout de BACK-ON, c’est sa capacité à faire des balades rocks. Il y avait la subtile a day dreaming… dans YES!!! et il y a Apologize dans Hello World. C’est une chanson qui a l’avantage de changer le rythme des autres pistes, l’une des rares à se distinguer. Le rap y est plus discret, moins brutal et la partie chantée est sombre et sévère. Le sentiment de culpabilité des paroles est bien transmis. La chanson est réussie, tout comme les autres balades rock de l’album, 24/7 et We are.

Et pour terminer, le groupe sait également surprendre. Et dans cet album, la surprise vient à la fin, avec les pistes Tomorrow never knows et hare days. Ces deux chansons sont beaucoup plus calmes et posées et atterrissent sur une route que le groupe n’avait jamais emprunté jusque là, le reggae, marqué par cette batterie très lente, très calme. Et ceci est davantage marqué dans la première, où quelques parties de la chanson ressemblent énormément à ce que font des groupes comme Kimaguren. Deux surprises intéressantes et surprenantes.

La patte d’ours d’Avex Trax?

Mais là où le bat blesse avec BACK-ON c’est avec son label. Si sur leur premier album, on n’avait pas senti ce relent d’Avex, sur cet album, on le sent. Et on le sent bien comme il faut. Déjà, sans écouter l’album, sans même l’ouvrir, on regarde la tracklist de l’album et on voit deux duos. Avec deux artistes du label Avex. me, alias Misono et mini, deux artistes en perte de vitesse, dont une, mini, qui n’a même pas démarré, d’ailleurs. Et c’est sur cette dernière que je vais m’attarder.

Car avec misono, on la connaissait déjà de sa période de day after tomorrow et donc la voir jouer sa rockeuse du vendredi soir n’était pas vraiment surprenant. Et dans la chanson with you, je dois avouer que le résultat est plutôt séduisant : sa voix est piquante et l’ajout d’une voix féminine, en plus du chant de KENJI03 et du rap de TEEDA, était plutôt attrayant et l’idée plutôt séduisante. Et au final la chanson est efficace et réussie.

Cependant, avec mini c’est beaucoup moins convaincant. Outre le fait que le talent de mini est plus que contestable (je vous conseille, ou pas, d’écouter Are U Ready?, son premier single), la mini-star d’Avex est mal réglée, on sent de trop près les arrangements foireux, et sa voix se combine très mal, et beaucoup moins bien que celle de Me . Au final, on a un morceau R’n'B miteux, avec des effets électroniques faibles.

Enfin, si la plupart des chansons sont chantées en japonais avec quelques lignes d’anglais, par ci par là, les titres des chansons sont toutes en anglais. Ainsi, au lieu de Gomen ne, on a Apologize, titre beaucoup plus sexy que le premier. Alors, sans être une critique, c’est simplement un constat, assez fréquent, chez les artistes made in Avex qui s’exportent en Europe et en Amérique du Nord.

Au final, l’album Hello World est un album très intéressant et musicalement abouti. Il séduira par sa pop et son rock brutal et ses refrains agressifs mais entrainant et efficace, et ces petits surprises reggae. Mais il ne séduira pas certains, trouvant l’album long et très répétitif et ce duo définitivement défectueux avec mini.

Infos sur cet album

]]> http://www.ongaku-dojo.fr/2011/05/back-on-bonjour-le-monde/feed/ 0 http://www.ongaku-dojo.fr/2011/05/ayumi-hamasaki-loves-songs-un-nouveau-souffle/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=ayumi-hamasaki-loves-songs-un-nouveau-souffle http://www.ongaku-dojo.fr/2011/05/ayumi-hamasaki-loves-songs-un-nouveau-souffle/#comments Fri, 06 May 2011 15:01:28 +0000 Matthieu http://www.ongaku-dojo.fr/?p=3766 Alors je sais, l’album est sorti il y a longtemps. Une chronique 4 mois après… Enfin voila… Mais la chronique a été commencée en Janvier et je ne l’avais pas terminée, par manque d’inspiration, par manque de temps et puis je n’étais pas très satisfait du résultat.

Elle m’a souvent déçu. Surtout avec ces deux derniers albums et certains de ces derniers singles. Elle a souvent attiré mes critiques acerbes. C’était, dans la plupart, des cas justifié mais aujourd’hui Ayumi Hamasaki est remontée dans mon estime. Sans sarcasme et sans moquerie. Non vraiment.

Il faut dire que pour une fois elle et son équipe semblent avoir pris soin de ne pas pondre un album techniquement et musicalement ennuyeux et pompeux. Elle et son équipe nous offre une bonne surprise, de quoi passer un bon moment. Ou presque ? Eh oui car toutes les chansons ne sont pas bonnes à écouter. Il en va, pour certaines, de votre propre sensibilité auditive.

Des problèmes toujours là

Pour finir sur une touche positive, on va commencer par les mauvaises chansons et les chansons que je juge vraiment pauvres et un expert en immobilier les jugerait insalubres.

Alors partons de la moins bonne : Like a doll. La partie vocale est à oublier. Cette fois-ci, Ayumi n’en est pas la raison. Elle ne va pas chercher dans les ultrasons mais c’est bien le travail des arrangeurs qui est plus que douteux. La voix d’Ayumi est ultra-saturée, trop saturée. Et la chanson en elle même est ennuyante, monotone et très longue. Finalement, on la passe. Sans l’écouter, ou simplement en l’entendant, ce qui, entre nous, n’est pas mieux.

Ensuite, la doublette Moon, Blossom. L’intro de la première est un grand classique. Avec la voix d’Ayumi ultra-pressante, laissant au loin l’instrumental. Tant mieux pour nous, on dira, car on aura ainsi peu entendu les guitares étouffantes, les violons mielleux et le piano-synthé des plus mauvais effets. Par contre, la voix d’Ayumi est intéressante, mais ça on y reviendra plus tard.

blossom était encourageante et même prometteuse dans son intro mais déroutante quand la musique démarre. Une copie conforme de Moon, sans les violons mais avec le piano-synthé et les guitares faciles. Pourtant, il y a quelques petites touches intéressantes, comme les refrains, et certains  temps de la chanson mais les guitares, les guitares, et les guitares gâchent la chanson.

Le refrain de Sending Mail est inaudible. Les couplets sont saccadés. Alors l’effet aurait pu être sympa, mais la voix grave d’Ayumi perd de sa puissance dans ces saccades et finalement elle n’arrive pas à trouver une justesse suffisante. Et sans parler des riffs de guitares de je ne sais encore quel guitariste d’Avex.

Une nouvelle Ayumi

Commençons par un aspect plus technique et plutôt vocal. Alors depuis deux trois ans, Ayumi nous avait habitué à une voix un peu tiraillée, un peu perdue entre les aiguës, la puissance et les artifices. Je dirais plus qu’elle souffrait d’incontinence vocale, cherchant à trop en faire sortir alors qu’elle aurait pu jouer la carte de la subtilité.

Cette métaphore un peu crado passée, dans cet album, on retrouve une voix d’Ayumi qu’on avait tous aimé, celle de l’album I am …. Une voix puissante et juste, avec les petits traits de sa voix. On le voit dès la première chanson Love songs, qui n’est ni une chanson d’amour mielleuse et emmerdante, mais bien un morceau pop-rock, entrainant et très pêchue. On aimera moins par contre les guitares ultras saturés et la ligne de basse étirée un peu trop oppressante.

On retrouve aussi notre Ayumi humble et simple. Fini la Ayumi androgyne, en cuir rose flashy avec une cravache à la main. Sexy elle l’était. Sans les sons electro et les photoshoots niais et sans intérêt, on retrouve une Ayumi rayonnante, des photoshoots réussis pour l’album. Elle ne se rabaisse plus dans ces clips. Des clips excellents surtout Sweet Seasons et moon. Comme quoi, les pochettes d’albums sont bien souvent l’image de la qualité des morceaux qui la composent. Un crédo qui marche pour elle en tout cas.

Un autre crédo marche chez elle ou du moins sur Love songs : c’est celle de la longueur des chansons et la qualité de celles-ci. Plus elles sont courtes, plus elles sont mauvaises. Et a contrario, plus elles sont longues, plus elles sont bonnes. Alors je sais, scientifiquement parlant, cette petite thèse est bancale mais à l’exception de Moon, qui n’est pas non plus désastreuse, si on enlève quelques petites choses, les chansons dont je vais parler maintenant font plus de 5 minutes chacune, avec des prises de risques, et du travail un peu plus important.

Cet album comporte 16 chansons et dure en tout et pour tout 1h20min. Bien loin des 47 minutes de NEXT LEVEL. Alors certains me diront qu’il dure 51 minutes mais personnellement, j’ai pas écouté Rule. Et la durée moyenne des chansons de l’album est bien supérieure à celle de Rock’n’roll Circus, avec près de 4,5 minutes en moyenne. Et Loves songs est bien meilleur que ces deux soupières sans nom.

De bonnes chansons

Et comme à la sortie du single L, la chanson Sweet Season est pour moi l’un des meilleurs morceaux de la chanteuse de ces cinq dernières années. Une balade énergique, pleine de bons sentiments certes, mais riche musicalement, avec moins d’arrangements electroniais. Il faut dire que c’est Noriyuki Makihara, qui s’est occupé de la chanson. Ayumi y met plus de vie avec une voix beaucoup plus maitrisée, des aiguës parfaitement maitrisées et une émotion bien transmise. Une chanson modeste mais une chanson réussie.

Elle est suivie par un autre morceau intéressant : Do it again. L’intro au piano, les « do it again » et autres « sing sing sing », répétitifs, certes, mais qui apportent à la chanson cette lente montée en puissance, cette lente prise de mesure. La partie instrumentale est très simple mais bien orchestrée avec ce piano qui tient en haleine toute la chanson. Les parties vocales puissantes d’Ayumi sont quasi-parfaites.

Et on arrive enfin à November. Sans aller jusqu’à dire qu’il s’agit d’une petite pépite, cette chanson s’en approche et est en tout cas l’une des meilleures de l’album. Instrumentalement, elle bénéficie d’une grande richesse, avec un arrangement très abouti et bien fini. Ayumi y retrouve ces petits gargarismes que j’affectionnais tant.

Il y a enfin Virgin Road, une longue balade, made in Ayumi. Il y a cette intro au seul piano voix. La voix d’Ayumi bien travaillée, contrôlant l’émotion. Mais cette chanson prend toute sa dimension en live. Alors il y a le live du Kohaku Uta Gassen. Un moment marquant de la soirée. Et puis les lives de sa tournée « Rock’n'Roll Circus Tour ». A chaque fois elle est en robe de mariée, qui n’est sans nous rappeler les lives majestueux de M. La chanson est en tout cas une très bonne balade sans guitares, la seule voix d’Ayumi et la seule mélodie, réussissant à nous toucher.

Alors finalement Love Songs me rassure. Sans pouvoir le recommander, l’album fait son travail, rassure ses fans après deux albums piteux et sans relief, avec des chansons marquantes, nous touchant, nous réveillant, et musicalement intéressant. Alors certes il y a toujours des chansons qui restent assez hasardeuses, certes il y a des chansons qui traversent l’album comme des fantômes, mais, Love songs donne un nouveau souffle à Ayumi, qui en avait besoin.

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